VOTACIÓN 2011 / 5 FILMS

Estimados amigos: simplemente, se trata de votar. Gracias a la compilación de Jorge H, acá van todas las películas. Hasta el 22 de este mes se puede votar. Luego, se cerrará las entradas. RK

FILM 1 (29/04/11) El lugar más pequeño. México, 2011 Tatiana Huezo

FILM 2 (29/04/11) Los habitantes, Rusia, 1970 Artavazd Peleshyan

FILM 3 (06/05/11) Nuestro siglo, Rusia,1983 Artavazd Peleshyan

FILM 4 (06/05/11) De la necesidad de navegar los mares, Alemania, 2010 Philipp Hartmann

FILM 5 (05/06/11) El cameraman: vida y obra de Jack Cardiff, Reino Unido, 2010 Craig McCall

FILM 6 (13/05/11) Poesía, Corea del sur, 2010 Lee Chang-dong

FILM 7 (13/05/11) Material blanco, Francia, 2009 Claire Denis

FILM 8 (20/05/11) Una habitación y medio, Rusia, 2009 Andrey Khrzhanovsky

FILM 9 (20/05/11) Viajo porque preciso, vuelvo porque te amo, Brasil, 2009 Karim Ainouz y Marcelo Gomes

FILM 10 (27/05/11) Las estaciones, Rusia, 1975 Artavazd Peleshyan

FILM 11 (27/05/11) Verano de Goliat, México-Canadá, 2010 Nicolás Pereda

FILM 12 (03/06/11) Nostalgia de la luz, Chile-Alemania-Francia, 2010 Patricio Guzmán

FILM 13 (10/06/11) Nosotros, Rusia, 1969 Artavazd Peleshyan

FILM 14 (10/06/11) El director de bodas, Italia, 2006 Marco Bellocchio

FILM 15 (17/06/11) Un cuento del viento, Holanda-Francia-Alemania, 1988 Joris Ivens

FILM 16 (24/06/11) Misterios de Lisboa, Francia-Portugal, 2010 Raoul Ruiz

FILM 18 (01/07/11) La pequeña que vendió el sol, Senegal, 1999 Djibril Diop Mambéty

FILM 19 (01/07/11) Leche, Turquía, 2008 Semih Kaplanoglu

FILM 20 (08/07/11) Lluvia, Holanda, 1929 Joris Ivens

FILM 21 (08/07/11) Cielo apagado, Francia, 2008 FJ. Ossang

FILM 22 (08/07/11) Vladivostock, Francia, 2008 FJ. Ossang

FILM 23 (08/07/11) La vida sublime, España, 2010 Daniel Villamediana

FILM 24 (15/07/11) Wadley, México, 2009 Matías Meyer

FILM 25 (15/07/11) Turistas, Chile, 2009 Alicia Scherson

FILM 26 (22/07/11) Le franc,  Senegal, 1994 Djibril Diop Mambéty

FILM 27 (22/07/11) Petit Indi, España, 2009 Marc Recha

FILM 28 (29/07/11) Un hombre que grita, Chad-Francia-Bélgica, 2010 Mahamat Saleh Haroun

FILM 29 (29/07/11) Fin, Armenia, 1993 Artavazd Peleshyan

FILM 30 (06/08/11) El caso Valërie, Francia, 2004 François Caillat

FILM 31 (13/08/11) El síndrome asténico, Rusia, 1989 Kira Muratova

FILM 32 /13/08/11) El hipocampo, Francia, 1934 Jain Painleve

FILM 32 (20/08/11) La boca del lobo, Italia, 2009 Pietro Marcello

FILM 33 (26/08/11) Esperando por la felicidad, Mauritania, 2002 Abderrahmane Sissako

FILM 34 (26/08/11) Food Inc., EE.UU., 2008 Robert Kenner

FILM 35 (02/09/11) Principio, Rusia, 1967 Artavazd Peleshyan

FILM 36 (02/09/11) Una vida humilde, Japón-Rusia, 1997 Alexander Sokurov

FILM 37 (02/09/11) Tierra, Rusia, 1930 Alexande Dovzhenko

FILM 38 (09/09/11) Primavera, Lituania, 1997 Valdas Navasaitis

FILM 39 (09/09/11) P, Argentina, 2011 GS

FILM 40 (16/09/11) La gente del arrozal, Cambodia, 1994 de Rithy Panh

FILM 41 (16/09/11) Paraísos artificiales, México, 2011 Yulene Olaizola

FILM 42 (23/09/11) Trouble The Water, EE.UU., 2008 Carl Deal y Tia Lessin

FILM 43 (23/09/11) Attenberg, Grecia, 2010 Athina Rachel Tsangari

FILM 44 (30/09/11) Nuestro pan de cada día, Austria-Alemania, 2005 Nikolaus Geyrhalter

FILM 45 (30/09/11) La comedia en la hierba, Francia, 1959, Jean Renoir

Películas 45 (30/09)

La comida en la hierba, de Jean Renoir, Francia, 1959

Película 44 (30/09)

Nuestro pan de cada día, Nikolaus Geyrhalter, Austria-Alemania, 2005

Película 43 (23/09)

Attenberg, de Athina Rachel Tsangari, Grecia, 2010

1. Comentario de Silvia

Siempre en lo autoreferencial -no encuentro que pueda ser de otra forma -, he de dejar bien asentado el hecho de la conmoción que aún persiste en mí, al sentir una viva alegría al recordar las escenas de esta película. Libertad, Libertad creativa, para decir de la vida. Diálogos sin ataduras de decir liviandades ni frases hechas para matar los silencios. Diálogos profundos, esenciales, Pura vida . Esas escenas en las que ensayaban las dos amigas esos pasos de danzas al unísono por ese largo corredor al aire libre, con la marcación de los tacos de las botas, con idénticos vestidos que parecían llevar puestos nada más que para esa ocasión. Con tánta pasión, esos pasos de bailes creados para compartir sus soledades, creando pasos que asemejaban el comportamiento de los animales que admiraban en animal planet, en libertad, ncon una seriedad y concentración por lo que hacían que se sentía ese ejercicio cómo su fuera el practicar una religión. la seriedad y concentración con que lo hacían. Todo parecía ser disfrutado hasta lo indecible con la importancia de vivir. No hay resquicio para la estupidez. (ahora recuerdo darle las gracias a Jorge H por haber introducido este lugar para los comentarios)

La relación que Marina tiene con su Padre Spyros, es de una pureza y madurez que parecen utópicas, y lo mismo pasa con Bella su amiga, con quién expresa una amistad que humorísticamente asombra desde su primera escena.Esa práctica del beso con las lenguas estiradas y probando y degustando, realmente parecía una sentir el propio vómito.

Por esto de que se entiende que cáda director imprime en su obra algo bastante de su autobiografía, se me ocurre pensar curiosamente cuánto de su vida Athina Rachel Tsangari ha impreso en esta.

Y me fascino con la idea de tánta riqueza de vida.
Y qué hay respecto a las escenas finales en las que el diálogo deja entrever algo así cómo:…”no te acompaño porque le tengo miedo a los aviones”…. Cómo que el féretro con los restos del Padre regresa cremado significando que luego ella no se irá a ningún lado y se quedará ahí en esas soledades. Cómo que al igual que los animales cuyas vidas y movimientos admiraba y emulaba, ella se quedaba a vivir en su habitat. Cómo que no era algo para cuestionar.

Con el final de la película recién sentí que no había prestado atención a la música, luego recordé que no hubo mucha, y la verdad es que los diálogos tenían demasiado para abrir la mente . .

2. Comentario de Jorge H

Un filme libre, lleno de sorpresas, concebido como un relato surrealista. Personajes excéntricos, que nos llevan a que las situaciones nunca sean lo que parecen, o no se parezcan a vivencias similares de cualquier otro mortal. Las reacciones más inesperadas ocurren, apostando a cada paso a la sorpresa. Numerosos tiempos muertos, escenarios sin gente, salpican la estructura del filme, dotándolo de un clima particular. Los temas más variados son introducidos sin ningún orden especial. Extrañas escenas que parecen algo entre la danza y el desfile, interpretan las protagonistas, dando lugar a un juego lleno de belleza.

El humor, aunque bien negro, no está tampoco ausente.

La experimentación libre en las formas cinematográficas y en las vidas de las protagonistas, como sistema de aprendizaje y vínculo con el mundo.

El sexo, como raras vez debe haber sido expuesto en el cine, por su capacidad de mostrar las situaciones más absurdas, re-significando las nociones de goce y deseo.
El cuerpo de la mujer, revalorizado, explorado, exhibido, no como objeto de consumo, sino como misterio a ser develado.

La música, poca, e insertada en momentos claves, aporta su cuota para hacer de esta película un sueño que queremos volver a ver.

Link BAFICI2011:

http://www.bafici.gob.ar/home11/web/es/films/show/v/id/96.html

Película 42 (23/09)

Trouble The Water, de Carl Deal y Tia Lessin, EE.UU., 2008

1) Comentario de Jorge H

Hasta ahora he visto en el Seminario, básicamente, tres tipos de documentales. A modo de ejemplo, podemos citar, por un lado “El cameraman: vida y obra de Jack Cardiff”, de Craig McCall, donde, a la manera de una biopic, conocemos la sorprendente vida de una persona extraordinaria. Por otro lado, en filmes como “Foods Inc.” se desarrolla una temática y se entrevista una gran cantidad de personas que se relacionan con esta problemática. Una tercera tipología, integran ambos elementos como en “La boca del lobo”, de Pietro Marcello, donde dichas características están integradas: un lugar muy especial y una historia destacada de vida. En “Trouble the Water” asistimos a este último modo de narrar, aunque en un registro muy distinto al filme de Marcello, quizás menos poético pero con personajes igualmente entrañables. Hay una historia de vida y hay un tema central: las consecuencias del huracán Katrina que azotó EEUU, más concretamente Nueva Orleans, en agosto de 2005. La vida que se cuenta es la de Kimberly Rivers Roberts, su esposo Scott Roberts y sus familiares y vecinos.

Es un documental eminentemente político, porque denuncia la cruel indolencia del gobierno de Bush para dar socorro a los damnificados. Como aclara uno de los personajes, los pobres y los negros (que en el caso de Nueva Orleans, son lo mismo) no importan. Pero lo hace de un modo que evita por todos los medios el panfleto. Llegamos a las conclusiones que corresponden, de un modo casi imperceptible, siguiendo el derrotero del matrimonio protagonista, desde las horas previas a la llegada del huracán a su barrio hasta semanas después cuando finalmente regresan a su vivienda seriamente dañada. El mayor mérito de este filme consiste en mostrar las estrategias de supervivencia de los negros pobres en EEUU, para enfrentar este y otros dramas tremendos de sus vidas.

Desde el punto de vista formal, la película es también política. Los protagonistas no son meros objetos de estudio de los directores, sino creadores de su propio discurso. Por eso es un gran acierto, la integración de videos caseros tomados por Kimberley antes, durante y después de la tormenta, con secuencias concebidas más profesionalmente por los directores del filme. Se logra integrar lo mejor de ambos tipos de registros: La espontaneidad del cine amateur y la minuciosidad del profesional.

Los directores, con gran inteligencia, logran que no solo se conozca la vida de Kimberley en este particular episodio, sino que nos remontemos a través de su relato, a los años de su infancia y adolescencia. Conocemos sus habilidades, no solo para sobrevivir, sino para crear a través de la música.

La película desde el comienzo, tiene la honestidad de hacernos conscientes de que asistimos a una construcción cinematográfica que implica decisiones premeditadas de puesta en escena. No existe algo como la objetividad, sino una toma de posición clara y firme por parte de los realizadores que manifiestan su compromiso político, moral y afectivo, con los protagonistas.

2) Comentario de Silvia

“Trouble the water” fué toda cómo recitar una Ley desde el principio al fin. Cómo si todo se resumiese a decir: todo está destinado a permanecer infinitamente en este ciclo repetitivo.

Lugar de asentamiento: New Orléans, lugar dónde transcurre la vida de la protagonista, Kimberley, quién a sus cortísimos 24 años adolece de un entorno afectivo brutalmente devastador (sin padres, drogas a su alrededor,miseria, ignorancia), zona que es desvastada cíclicamente por huracanes.

Huracanes que según su fuerza provocarán en consecuencia mayores o menores desastres, pero que en definitiva será el lugar al que las personas que hayan sobrevivido, regresarán, porqué?, porque es su destino y así lo dispuso el Señor. Y al decir absolutorio de Kimberley: porque son nuestra raíz, el único lugar dónde tenemos a la Sra tál y cuál y a sus hijos cómo vecinos y a Harry que nos salva a todos y es un héroe y por más que nos ocupemos en intentar vivir en otros lugares, está visto que igual tenemos que regresar a nuestro lugar. Y lo único que debemos saber es que si el Señor nos dá este desastre por algo es, y si no nos dá, también por algo es.

Puede parecer toda una irreverencia el decir esto, cómo si fuese una crítica soberbia hacia la película, pero, creo que ha sido justamente este el mensaje que este documental transmite. Lo incomprensible de la conducta del ser humano que regresa y se asienta nuevamente en los lugares que lo destrozan.

Por eso lo doloroso es la naturalidad con que Kimberley filma su propio desastre con orgullo.

Película 41 (16/09)

Paraísos artificiales, de Yulene Olaizola, México, 2011

1) Comentario

Por Spiri

Luisa, una joven de clase media, escapa a un pueblo costero de Veracruz con la esperanza de superar su adicción a la heroína, allí conoce a Salomón, un solitario lugareño de aproximadamente cincuenta años, viudo, fumador de Marihuana, tan desamparado como ella y afecto a las borracheras.

Los momentos más interesantes de Paraisos Artificiales tienen que ver con el vínculo, la amistad y las conversaciones de estas dos personas tan distintas en lo referente a su estratificación social y generacional pero a la vez con puntos en común como el desamparo y la soledad. El registro que casi siempre es observacional y crea una intensa atmósfera de intimidad entre el espectador y los personajes

Si bien el film transcurre en una región en la que la naturaleza posee una belleza notable y el entorno natural juega un papel importante, Olaizola no se aprovecha de esto para sacar a relucir postales o valerse del pintoresquismo de un humilde pueblo mexicano. Ello no implica que por medio de la película no podamos conocer algo de esa región, con sus construcciones de madera y carteles escritos a mano. El cielo siempre está nublado lo que atempera en cierto grado el efecto de “belleza”, y tal vez sea un reflejo del estado de ánimo de los personajes.

Por momentos se escapa al registro observacional, se rompe el artificio del relato y Salomón le habla directamente a la cámara como si estaría en el marco de una entrevista o como si estaría realizando alguna confidencia frente al artefacto. Hay otra parte que se desenmarca del ritmo cansino de la película, los lugareños de la finca en la que se aloja Luisa incendian algo que parece ser una choza y dos niños del lugar aporrean un bulto encendido. Habría que pensar porqué en el nuevo cine mexicano aparecen estos destellos de furia y violencia, en “el verano de Goliat” de Pereda también aparecía una escena de carácter similar en la que dos soldados pegaban puntapiés a algo.

También vemos a Luisa inhalar heroína en un cuarto de paredes verdes que remite al “Cuarto de Vanda” de Pedro Costa. La actuación de Luisa Pardo es notable y contribuye de manera decisiva a la calidad del film, sus gestos y las expresiones de su rostro transmiten toda la ansiedad y la desesperación del adicto.

Podría concluirse que todo lugar paridisiaco del planeta es en definitiva artificial, pero como el titulo del film se refiere a “paraisos”, también podría ser una película, que sin imponer un discurso moralista, invita a pensar en las adicciones, especialmente en las drogas duras. No obstante, se trata de un film sumamente agradable que celebra la amistad y el encuentro entre seres humanos.

Película 40 (16/09)

La gente del arrozal, de Rithy Panh, Cambodia, 1994

1) Comentario de Jorge H

La gente del arrozal es un drama desesperado sobre las estrategias de supervivencia de la población campesina pobre. Ocurre en Camboya, pero podría ser la historia del mismo estrato social en cualquier otro país del mundo. Podemos percibir la enorme importancia que adquiere en la vida de los protagonistas el cultivo del arroz. Resulta asfixiante la necesidad de organizar toda la vida familiar alrededor de este cultivo esencial para garantizar el alimento y el acceso a otros bienes por medio de la venta del excedente de la cosecha. La simple confección de un rústico juguete de madera que fabrica el padre, parece un hecho anómalo, en un espacio que solo parece existir para la vida económica. La familia se constituye primero que nada como unidad productiva y relega a un segundo plano todas las demás necesidades. Incluso la sexualidad es percibida como un mero instrumento regulador de la cantidad óptima de hijos. Hasta la simple lastimadura del padre, que se hubiese curado con la oportuna intervención de un médico y de los remedios correspondientes, se transforma en un estorbo y lo lleva a una muerte evitable. La locura de la madre, se constituye en el reflejo de una situación percibida como desesperante e ingobernable. Conmueve la extraordinaria templanza de las niñas, sobre todo de la mayor, quien debe cargar con la mayor responsabilidad. La primogénita, muestra a través de su mirada, toda la fuerza expresiva que puede lograr un rostro sin pronunciar palabra alguna y justifica una vez al cine como arte.
Formalmente concebida como un relato tradicional, solo cabría criticar la innecesaria inclusión en varias secuencias, de música extradiegética, que demuestra la poca confianza del director en la fuerza expresiva de sus imágenes.

Película 39 (09/09)

P, de GS, Argentina, 2011

Sólo para los que fueron al festival suizo.

Película 38 (09/09)

Primavera, de Valdas Navasaitis, Lituania, 1997

PELÍCULA 37 (02/09)

Tierra, de Alexande Dovzhenko, Rusia, 1930